À quoi servent encore les projets personnels ?
Un caractère typographique dessiné sans commande, une série d’affiches fictives, un fanzine tiré à quelques exemplaires, des expérimentations en 3D ou en motion : le projet personnel accompagne depuis longtemps la formation et la pratique des designers. Il permet d’apprendre, de chercher une écriture, parfois d’orienter une carrière. Mais sa fonction évolue à mesure que la recherche elle-même devient visible, publiable et potentiellement rentable. Peut-on encore travailler pour soi sans penser à ce que ce travail produira ensuite ?
Un projet personnel commence souvent par une situation assez simple : personne ne l’a demandé. Aucun client n’attend de livraison, aucun cahier des charges ne définit la réponse, aucun budget ne borne directement le temps passé. Pour un designer habitué à travailler dans le cadre d’une commande, cette absence modifie profondément la manière d’aborder le projet. Elle autorise des détours difficiles à défendre dans un contexte professionnel, laisse une recherche s’installer sans savoir immédiatement ce qu’elle produira et permet d’abandonner une piste sans avoir à justifier le temps qu’elle aura absorbé.
Cette liberté ne rend pas nécessairement le travail meilleur. Elle lui donne une autre fonction. La commande apprend à composer avec un contexte réel : un public, des contraintes techniques, des interlocuteurs, une économie, des usages. Le travail auto-initié ouvre un espace où certaines de ces contraintes peuvent être déplacées ou inventées. Un designer peut s’imposer une règle absurde, explorer un outil qu’il maîtrise mal, revenir à une pratique manuelle, dessiner une famille de caractères dont personne n’a besoin ou passer plusieurs semaines sur une forme qui n’a aucune destination déterminée. La valeur de l’exercice tient souvent à ce déplacement.
Les écoles continuent d’ailleurs à encourager ce type de pratique. Shillington recommande les « passion projects » et les briefs auto-initiés pour développer une compétence, expérimenter hors de sa zone de confort et enrichir un portfolio. Le conseil paraît classique, mais il révèle une caractéristique particulière de l’apprentissage du design : une partie importante de la progression se fait en fabriquant ses propres problèmes. L’exercice ne consiste alors plus à répondre correctement à une demande, mais à décider soi-même ce qui mérite d’être poursuivi.
Apprendre ce que les commandes ne demandent pas encore
Une carrière tend naturellement à produire de la continuité. Un designer identifié pour son travail éditorial recevra davantage de projets éditoriaux ; un studio reconnu pour ses identités culturelles sera sollicité sur des terrains voisins. Cette cohérence nourrit l’expérience et la réputation, mais elle peut aussi enfermer progressivement une pratique dans ce qu’elle sait déjà bien faire. Les projets personnels offrent l’occasion d’introduire une rupture sans attendre qu’un client en prenne le risque.
Le parcours de Jordan Coelho, alias Oelhan, en donne un exemple particulièrement clair. Interviewé par étapes: en 2022, le motion designer racontait avoir commencé à apprendre After Effects en autodidacte pendant son BTS de design graphique, puis à diffuser ses expérimentations sur Tumblr et Instagram. La pratique régulière lui a permis d’acquérir ses compétences en animation, de développer progressivement son univers visuel et d’obtenir ses premiers contrats grâce au travail montré sur les réseaux. Il expliquait aussi que son style s’était formé par accumulation d’essais, en poursuivant certaines pistes lorsqu’elles lui semblaient suffisamment fécondes. La recherche personnelle avait précédé la spécialisation professionnelle au lieu d’en être le prolongement.
Cette chronologie compte. Le portfolio montre généralement ce qu’un designer a déjà eu l’occasion de réaliser. Un projet auto-initié peut indiquer la direction qu’il souhaite prendre. Pour quelqu’un qui veut passer de l’image fixe au motion, de l’identité au caractère typographique ou de l’écran à l’objet imprimé, attendre la commande idéale revient parfois à attendre qu’un client parie sur une compétence encore invisible. Produire soi-même cette première pièce permet de rendre une intention tangible. Le projet personnel intervient alors dans la construction d’une carrière, avec une ambiguïté évidente : l’espace initialement consacré à la recherche devient aussi un outil de positionnement. Une série conçue par curiosité entre dans le portfolio, attire l’attention d’un studio, circule sur les réseaux ou conduit à une commande. Beaucoup de trajectoires créatives se construisent ainsi, parfois sans stratégie préalable. Le projet n’avait pas de client au départ ; il peut en faire venir par la suite.
Une recherche désormais exposée
Les conditions de visibilité ont profondément changé cette pratique. Une expérimentation pouvait autrefois rester longtemps dans un carnet, sur un mur d’atelier ou dans un dossier de travail. Instagram, Behance et les autres plateformes donnent aujourd’hui à chaque étape une possibilité de publication immédiate. Esquisses, essais, variantes, ratés intéressants et recherches intermédiaires constituent une matière éditoriale à part entière. Cette ouverture a enrichi la manière dont les designers présentent leur travail. Elle donne accès aux raisonnements, aux hésitations et aux procédés qui disparaissaient souvent derrière l’objet terminé. Elle permet également de suivre une pratique dans la durée plutôt que d’en observer uniquement les réalisations les plus abouties. Pour les jeunes designers, cette circulation peut créer des occasions de rencontre et de travail qui dépendaient auparavant beaucoup davantage des écoles, des agences, des publications ou du réseau professionnel.
Elle introduit aussi un public beaucoup plus tôt dans le processus. Une recherche publiée reçoit des réactions, des partages, des sauvegardes, parfois des demandes commerciales. Ces signes peuvent encourager une direction plutôt qu’une autre. Ils installent progressivement des critères qui appartiennent à la diffusion : une expérimentation facilement compréhensible en quelques images possède davantage de chances de circuler ; un processus spectaculaire se raconte mieux en vidéo ; une série offre davantage de matière qu’un essai isolé. Le phénomène ne condamne pas la recherche à devenir du contenu. Il rend simplement cette destination disponible en permanence. Le designer peut choisir de montrer une expérience presque au moment où elle apparaît, puis observer la réaction qu’elle suscite. L’écart entre le temps de la recherche et celui de sa réception se réduit considérablement.
Cette transformation rejoint ce que nous observions récemment à propos d’Instagram : les créatifs apprennent à documenter leur pratique en même temps qu’ils la développent. Dans le cas du projet personnel, la question devient particulièrement sensible puisque l’absence de destinataire faisait précisément partie de sa singularité. Une expérience conduite sous le regard d’un public, même choisi, engage déjà une autre relation au résultat.
Du projet personnel au « side project »
Une seconde évolution se joue du côté de l’économie. Les outils de diffusion et de vente ont multiplié les prolongements possibles d’une recherche : une typographie peut rejoindre une fonderie indépendante, une série d’affiches devenir un print, des objets être commercialisés en petite série, un système graphique se transformer en templates ou une expérimentation régulière construire une audience suffisamment importante pour générer des commandes. Les conseils destinés aux designers mêlent désormais volontiers développement créatif et développement économique. Les guides de Shillington consacrés à la carrière encouragent par exemple la vente de produits graphiques, de templates ou de créations personnelles parmi les pistes permettant de diversifier ses revenus. Le projet parallèle prend alors place dans une économie du travail indépendant où portfolio, visibilité, apprentissage et monétisation tendent à se superposer.
Cette logique peut être stimulante. Un projet conçu sans commanditaire peut trouver son propre public et offrir au designer une autonomie que la prestation de service procure rarement. Une recherche typographique devient un catalogue ; une activité éditoriale personnelle se constitue progressivement en structure ; un langage développé sans client trouve ensuite sa place dans des commandes. De nombreuses pratiques contemporaines circulent ainsi entre recherche, édition, commerce et travail de studio. La même logique peut devenir pesante lorsqu’elle transforme chaque curiosité en investissement professionnel. Apprendre Blender améliore-t-il le portfolio ? Cette série pourrait-elle fonctionner sur Instagram ? Faudrait-il ouvrir une boutique pour la vendre ? Le temps consacré à une pratique gratuite acquiert facilement un rendement attendu. La culture du « side project » ajoute alors une activité supplémentaire à des métiers qui connaissent déjà des frontières poreuses entre temps professionnel et temps personnel.
Le problème dépasse la productivité. Tous les designers ne disposent pas des mêmes ressources pour consacrer des soirées, des week-ends ou plusieurs semaines à des projets non rémunérés. Le portfolio enrichi par une abondance de recherches personnelles peut aussi refléter du temps disponible, une stabilité économique, un espace de travail ou la possibilité d’investir dans du matériel et de la production. Présenter le projet personnel comme une condition naturelle de réussite revient à oublier cette dimension matérielle.
Jessica Hische évoquait très concrètement cette difficulté lorsqu’elle expliquait à It’s Nice That inscrire ses projets personnels importants dans son agenda avec la même fermeté qu’une commande. Son raisonnement reposait sur un constat simple : le travail client possède des échéances et finit donc par être réalisé, tandis qu’un projet sans engagement extérieur est facilement repoussé au soir, puis au lendemain. Préserver ce temps demande une décision d’organisation, y compris pour une designer dont la pratique personnelle occupe une place reconnue dans le travail.
La possibilité de ne rien en faire
La question de l’utilité finit par rattraper presque tous les projets personnels. Ils permettent d’apprendre, de se faire connaître, d’élargir un portfolio, de rencontrer des collaborateurs, de tester un nouveau territoire ou de développer un revenu. Ces fonctions sont réelles, mais leur accumulation risque de faire oublier une autre raison de travailler hors commande : disposer d’un endroit où le résultat n’a pas besoin de prouver immédiatement sa valeur. Cette possibilité compte dans un métier organisé autour de la résolution de problèmes. La plupart des projets professionnels commencent par une demande et se terminent par une réponse. La recherche personnelle peut conserver une question ouverte beaucoup plus longtemps. Elle autorise l’inachèvement, l’accident, la répétition et parfois l’ennui. Certaines expériences restent médiocres. D’autres ne trouvent leur intérêt que plusieurs années plus tard. Quelques-unes modifient durablement une pratique sans jamais devenir montrables.
Il faut également éviter de fabriquer une opposition romantique entre commande et liberté. Les contraintes d’un client peuvent conduire vers des solutions qu’un designer n’aurait jamais envisagées seul, tandis qu’un projet personnel peut répéter confortablement des habitudes déjà installées. L’absence de brief ne garantit ni audace ni qualité. Elle offre surtout la possibilité de choisir où placer le risque. Fenna Schilling, dont la pratique du collage s’est développée à partir d’une activité qu’elle considérait initialement comme un hobby, expliquait à It’s Nice That avoir été attirée par cette technique précisément parce qu’elle pouvait commencer avec ce qu’elle avait sous la main, sans équipement particulier ni maîtrise préalable. La liberté qu’elle recherchait dans le collage a ensuite fini par structurer sa pratique professionnelle. Son parcours rappelle combien une activité menée sans ambition clairement formulée peut acquérir, avec le temps, une place centrale.
Le projet personnel conserve peut-être là sa fonction la plus difficile à défendre dans une économie créative très attentive à la visibilité et à l’employabilité : permettre au designer de travailler avant de savoir à quoi ce travail pourra servir. Certaines recherches deviendront des commandes, d’autres des pièces de portfolio ou des produits. Beaucoup resteront des essais. Leur intérêt se mesure aussi à ce qu’elles déplacent dans la pratique de celui qui les mène.
Un métier se construit en répondant à des briefs, mais également dans les zones qui échappent provisoirement à leur logique. Préserver ces zones demande du temps et parfois une certaine résistance à l’envie de tout publier, de tout valoriser ou de tout transformer en projet. Leur utilité apparaît souvent plus tard, lorsque ce qui semblait être une parenthèse commence à influencer les commandes suivantes, la manière de regarder ou simplement l’envie de continuer à chercher.
